Cinéma

La piel que habito

2011-11-10T18:16:00.005-02:00

La piel que habito (2011), de Pedro Almodóvar, é um filme muito bem cuidado, seja no detalhamento dos objetos de cena, decoração e figurinos, quanto no roteiro, direção, fotografia, montagem. Contando com a colaboração de Jean Paul Gaultier, Almodóvar mistura gêneros como a ficção científica, o noir e o terror, naquele que pode ser considerado seu melhor filme. E o mais feminista. Aliando o pendor natural do diretor pela temática, em La piel que habito, soma-se a influência da artista plástica Louise Bourgeois, morta em maio de 2010, cujas obras pontuam a película. Acima de tudo, um filme para ser refletido sob muitos ângulos.

Esses Amores (Ces Amour Là)

2011-08-22T17:31:00.000-03:00

Esses Amores (Ces Amour Là, 2010) é a homenagem de Claude Lelouch, em seu 51o. filme, ao cinema. Se tal intenção não estivesse expressa nos letreiros que precedem a exibição, certamente seria deduzido pelo espectador da primeira à última cena do filme. Se isso não bastasse, o diretor compõe uma narrativa dramática permeada por uma boa história, contada visualmente, leve e distante dos dramas hollywoodianos. Ótimo filme, na minha opinião.

Sinopse:
Ilva é uma mulher que se apaixona facilmente. Desatenta e despreocupada como seu amor pode ser visto pelos outros, ela se vê presa as conseqüencias de seus atos.
Primeiro na França dominada pelos Alemães, ela se apaixona por um nazista, o que indiretamente leva a morte de seu pai. Para muitos, sua relação era vista como uma colaboração com os nazistas.
Seu próximo amor traz mais tragédia. Durante a libertação da França em 44, quando ela é violentamente obrigada a responder sobre sua relação com a Alemanha, ela é salva por dois soldados americanos, um branco e um negro. Ela então se apaixona pelos dois, ao mesmo tempo. Sua incapacidade de escolha entre eles cria conflitos, tristezas e assassinato.

Speelbound (Quando Fala o Coração, 1945)

2011-02-17T00:16:00.004-02:00

Speelbound (1945) é um dos filmes mais curiosos entre a filmografia de Alfred Hitchcock. Mescla suspense, psicanálise e influências do movimento cinematográfico surrealista. A sequência do sonho, narrada pelo personagem interpretado por Gregory Peck, é baseada em desenhos de Salvador Dalí (figura acima), e tem elementos oníricos típicos daquele movimento. Talvez seja o filme mais rico de Hitchcock no tocante à relação entre a psicanálise e o surrealismo. E um dos melhores exemplos daquela vanguarda no cinema misturada ao gênero suspense.

Ingrid Bergman é a psicanlista que tenta fazer com que o personagem de Peck recupere a memória. O grande destaque é a presença do ator Michael Chekhov, como o Dr. Alexander Brulov (foto abaixo).

Speelbound é uma preciosidade que recebeu no Brasil um título em muito reducionista (Quando fala o coração).

A Última Estação (The Last Station)

2011-01-21T18:59:00.002-02:00

A Última Estação (2009) faz pensar o quanto se têm desperdiçado idéias no cinema em mãos de diretores e roteiristas incapazes de dar bom andamento a projetos de peso. Michael Hoffman deixou passar a chance de fazer um filme de valor em sua inexpressiva carreira ao abraçar a adaptação da ótima novela de Jay Parini. Falado em inglês (o russo seria tão necessário), exagerando na aplicação do melodrama clássico ao estilo hollywoodiano e consequentemente no plano e contraplano (e nos closes excessivos), o filme frustra pelo esvaziamento da narrativa. Uma história com o enfoque nos dias finais de Tolstoi merecia um capricho maior e muito mais sutileza e densidade cinematográficas.

Nem as filmagens na Alemanha e a presença de atores de peso, como Christopher Plummer (Léon Tosltoi), indicado ao Oscar 2010 como melhor ator coadjuvante, e Helen Mirren (Sofia Tolstoi), indicada como atriz principal, conseguem deixar lembranças mais duradouras sobre essa produção.

Aos que não o sabem, principalmente as novas gerações, o filme pode despertar curiosidade de se pesquisar acerca da vida de Tolstoi e da criação do mito, bem como da espécie de religião denominada Tolstoismo, uma corrente de pensamento surgida na Rússia ao final do século XIX

Além da Vida (Hereafter)

2011-01-16T23:59:00.003-02:00

Clint Eastwood continua sendo o diretor norte-americano contemporâneo que mais gosto. Além da Vida (Hereafter, 2009) demonstra bem essa premissa. O diretor, ao falar sobre a morte em seu mais recente filme, acaba por enfatizar a vida. Não entra no campo da discussão sobre o além.

Ao contrário, seu enfoque é na vida, no caso em três personagens centrais, um ex-vidente (Matt Damon), uma famosa apresentadora da tv francesa que passa por uma experiência quase-morte (Cécile De France) e um menino que perde seu irmão gêmeo. Chama atenção a cena inicial, especialmente impactante e extremamente bem feita.

Clint, em Além da Vida, mas não só aqui, sem ser panfletário ou enfático, mantem um estilo de direção serena, cheio de sutilezas e, acima de tudo, inteligente, sem buscar o caminho mais fácil do melodrama ou do sensacionalismo, ou mesmo de defesa de um ponto de vista religioso sobre o tema. Clint apenas celebra a vida.

Biutiful

2011-01-16T23:28:00.001-02:00

Biutiful (2010), de Alejandro González Iñárritu (Babel, 21 Gramas, Amores Brutos), mantem as marcas estilísticas características do diretor: a não-linearidade, gosto pela pela estética realista, crua e dura, foco em vidas sem saída, marcadas pela luta em torno da sobrevivência, e enfoque na temática da morte como algo inevitável, mesmo que se negue a aceitá-la.

Esse é o drama vivido pelo personagem Uxbal, interpretado por Javier Bardem, pai de dois filhos, separado da mulher que ama, uma bipolar que se nega a se medicar, ele portador de câncer terminal em sua luta para protegê-los do mundo ao redor até o final.

Faz parte da trama a dura realidade do trabalho ilegal e escravo de imigrantes orientais e africanos, explorados por uma rede de agenciadores inescrupulosos. Uxbal tem ligação direta com esse universo, seja conhecendo os agenciadores, pagando policiais para não fiscalizar o trabalho desses imigrantes ou tentando minorar suas péssimas condições de vida, comprando-lhes aquecedores ou pagando-lhes pequenos serviços, como uma babá para seus filhos.

Um filme sufocante, imensamente triste ao mesmo tempo que inteiramente verdadeiro, assemelhando-se de modo mais próximo, entre os demais filmes de Iñárritu, a 21 Gramas.

Tetro

2011-01-16T19:41:00.002-02:00

Tetro (2009), de Francis Ford Coppola, decepciona. Apesar do preto e branco e da ambientação na bela Buenos Aires, principalmente no bairro da Boca, o filme careceu de um bom roteiro e de lapidação nos diálogos e na direção dos atores. Nem mesmo a presença de peso do lendário ator autriáco Klaus Maria Brandauer, no papel de pai de Tetro, conseguiu salvar a película.

Para narrar a densa história de uma família, a opção recaiu por um dramalhão que pedia menos exagero e mais sutileza, principalmente para evitar o diálogo revelador final, o que indica a falta de um roteiro capaz de dar conta de uma verdadeira linguagem cinematográfica, de uma boa história contada em imagens.

Oceanos (Océans)

2010-12-07T18:29:00.003-02:00

Oceanos (Océans, Jacques Perrin e Jacques Cluzaud, 2009) é acima de tudo um belo filme, com imagens espetaculares, e que só agora chega aos cinemas do país.

Documentário rodado em mares e praias ao redor do mundo, co-producção entre França, Suíça e Espanha, mostra a diversidade da vida marinha dos oceanos e a rica cadeia alimentar que propiciam, além de exibir animais raros que habitam as profundezas dos mares. Denuncia também a poluição e a matança de baleias e tubarões, bem como o perigo que a presença iminente do homem pode causar às regiões polares.

Com grandes patrocínios, incluindo o apoio do príncipe Albert, de Mônaco, o filme nos brinda com lindas imagens em longos planos de golfinhos, focas e baleias em bando, sendo o mar o centro do espetáculo.

Um documentário necessário pelo alerta que faz ao nos mostrar que toda essa beleza pode desaparecer em breve (não há tanto tempo assim) na medida em que aumenta o despejo de esgotos, lixo e óleo nos mares.

Tropa de Elite 2: roteiro, efeitos especiais e montagem

2010-09-26T19:53:00.005-03:00

Wagner Moura (Nascimento)
Crédito: Alexandre Lima

José Padilha fez em Ônibus 174 um dos melhores documentários brasileiros dos últimos tempos. Em verdade, na minha opinião, apenas um filme o supera no mesmo gênero, Santiago (2007), de João Moreira Salles, em si mesmo uma aula de fazer e pensar documentário, uma lição de cinema. Em Ônibus 174, vemos a estrutura de um documentário fundado em forte pesquisa temática e de personagem (central e periféricos). O dedo apontado para nós, sociedade, ao final do filme continua em Tropa de Elite, este um filme que, juntamente com Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles, trouxe uma ruptura com o filme brasileiro de ficção feito anteriormente. Por meio da montagem, do ótimo trabalho no roteiro e da nova direção de atores, as duas obras foram responsáveis por propor novo ritmo ao cinema nacional ficcional.

Em Tropa de Elite 2, o inimigo agora é outro, a tendência é seguir o mesmo caminho de sucesso alcançado pelo primeiro filme da série, vide a equipe que o compõe.

Pesquisa e Roteiro

O trabalho de pesquisa, que teve como consultores Rodrigo Pimentel, o deputado estadual Marcelo Freixo e a delegacia comandada pelo delegado Cláudio Ferraz, foi realizado por quase dois anos antes de o roteiro do roteirista Braulio Mantovani e do diretor José Padilha ganhar forma. Ambos construíram uma história atual, baseada em fatos reais que se misturam a história fictícia de Nascimento (Wagner Moura), da sua família, e de seus amigos, para falar da realidade do Brasil no cinema. O protagonista, agora dez anos mais velho, cresce na carreira: passa a ser comandante geral do BOPE, e depois Sub Secretário de Inteligência. Em suas novas funções, Nascimento faz o BOPE crescer e coloca o tráfico de drogas de joelhos, mas não percebe que ao fazê-lo, está ajudando aos seus verdadeiros inimigos: policiais e políticos corruptos, com interesses eleitoreiros. Agora, os inimigos de Nascimento, são bem mais perigosos.

Em Tropa 2 o principal arco dramático do filme, que no primeiro Tropa foi de Mathias (André Ramiro), será de Nascimento. Como o próprio Nascimento diz em Tropa 2, "agora é pessoal".

Bráulio Mantovani entrou em Tropa de Elite já com o primeiro tratamento do roteiro pronto, como consultor, script doctor, e acabou mudando o foco narrativo do filme na sala de montagem ao lado do diretor José Padilha e do editor Daniel Rezende. A ousadia realizada sem regravação de cena, apenas com offs reescritos, transformou o personagem secundário em protagonista. O feito, “uma loucura, que beirava o impossível”, como dizia na época, acabou fazendo de Tropa 2 “quase uma obrigação”. “Tropa era para o Mathias (André Ramiro), mas o Wagner (Moura) roubou o filme. O Nascimento era mais um narrador. Foi o Wagner que fez a gente descobri-lo. Agora sim, vamos explorar todas as contradições dele a fundo e levá-lo aos seus limites”, diz. “Tropa 2 é um mergulho nas contradições do Nascimento. É a descida dele aos infernos”, completa. Fora a “obrigação”, a ideia de trabalhar o problema das milícias, outro assunto nunca tocado no cinema, segundo Mantovani, foi um presente. “As milícias são fenômenos tão recentes que os personagens precisavam envelhecer para poder lidar com eles. Tivemos que atualizar o tempo para que isso pudesse ser cronologicamente crível”, explica.“Durante um ano mais ou menos, fizemos cinco versões diferentes do roteiro. Tentamos vários caminhos. Numa parceria muito próxima com o Padilha e onde muitos participaram: Daniel Rezende, Marcos Prado, Wagner Moura...”, diz.

Paulista, formado em Língua e Literatura Portuguesa e pós-graduado em Roteiro Cinematográfico pela Universidade de Madri, Mantovani começou como roteirista de longa-metragem já indicado ao Oscar por Cidade de Deus, fruto de uma parceria iniciada em sua estréia como roteirista no curta Palace II (2001), de Fernando Meirelles. Já a dobradinha com José Padilha começou quando Mantovani escrevia o roteiro para a versão ficcional do documentário Ônibus 174, o filme Última Parada 174, de Bruno Barreto. “O Zé (Padilha) foi um verdadeiro produtor criativo, me ajudou muito no roteiro”, diz. A sintonia evoluiu com Tropa. “Aprendi com o Bráulio que eu não sabia escrever. Achava que sabia, mas levava três meses fazendo um tratamento que o Bráulio faz, muito melhor, em duas semanas”, dizia Padilha, na época do lançamento do primeiro Tropa.

Em Tropa 2 a proximidade, em especial com Padilha e Daniel Rezende, com quem trabalhou ainda em Cidade de Deus e O ano em que meus pais saíram de férias (2006), de Cao Hamburger, rendeu boas trocas. Montavani participou durante três dias da montagem. “Só visito a montagem, detesto ‘set’, acho chato, já estive muito” - antes de assinar roteiros, Mantovani trabalhou como assistente de direção e câmera e escreveu para teatro - “sinto que não tenho como ajudar, interagir, ali. Já na montagem e nos ensaios, sim. Não participei dos ensaios de Tropa 2 por impossibilidade de tempo. Mas nos ensaios dá para perceber o que funciona e o que não ainda dá tempo de alterar. E na montagem podemos mudar até o foco narrativo (ri).”

Apontado como um dos melhores construtores de diálogos hoje no ofício do roteiro no país, Mantovani desconversa.“Quase todas as frases de Tropa que viraram bordões saíram dos ensaios, da interação com o pessoal do BOPE. O que faz uma fala ter repercussão é a maneira, o carisma, como o ator diz o texto”, afirma. Mas se contestado, ele acaba reconhecendo algum mérito seu: “Claro que cada cena tem que estar muito bem escrita, tudo muito bem encadeado, para que os improvisos, o carisma, as sintonias aconteçam.”

Perguntado se costuma andar com caderninhos em busca de inspiração, responde: “Quando escuto coisas que gosto, guardo na memória e uso depois, mas não tenho o hábito de anotar frases de forma sistemática”. E afirma: “Eu não me levo muito a sério. É tudo rock’nroll (ri).”

Efeitos Especiais e outros

Uma equipe de efeitos especiais, com nomes como Bruno Van Zeebroek, de Transformers, William Boggs, de Homem-aranha, e Keith Woulard, de O Curioso Caso de Benjamin Button, Independence Day e Forrest Gump, trabalhou no set de Tropa 2. O presídio de Bangu 1 foi reconstruído em seus mínimos detalhes num estúdio de mil metros quadrados, consumindo cerca de 15% do orçamento. Corpos carbonizados foram criados pelo mestre da maquiagem Martin Trujillo. Câmeras foram penduradas em cordas para dar maior proximidade e ineditismo à marcante fotografia de Lula Carvalho. Um andar inteiro de um edifício na Av. Presidente Vargas, centro do Rio, voltou a ser sede da Secretaria de Segurança Pública do Estado.

Montagem

“A estética de Tropa 2 - presente na edição - espelha a idade, o momento, dos personagens”, diz Daniel Rezende. “Nosso maior medo era fazer mais duas horas do primeiro filme. Tropa 2 tem uma pegada diferente. O considero mais adulto. O primeiro tem uma energia visceral. Muito da descoberta. O segundo vai para os bastidores, para a política, sem perder a ação, a agilidade, a brutalidade do BOPE, o universo pop no qual Tropa está inserido. Mas tem menos música comprada. Tem menos off de narração. Mais tempo de silêncio. É tensão pura, tem cenas catárticas, mas dentro de um espírito mais maduro. Tropa 2 já nasce pop por natureza. Não precisa reforçar isso”, diz.

O editor, contrariando cânones cinematográficos, participou de todas as filmagens de Tropa 2, como diretor de segunda unidade.“Nunca tinha trabalhado assim. Só tinha ido em refilmagem já montando. Existe uma facção que diz que o montador nunca deve ir ao set, porque é bom manter o olhar fresco, mais próximo do espectador. Mas aprendi muito. Montador sempre se pergunta porque não filmaram isso ou aquilo. Para ele, parece óbvio, mas no set você entende porque aquilo que, às vezes, você mais precisa não foi feito. O Zé (Padilha) me chamou ainda na pré-produção. Pensamos juntos desde o início.E ganhamos em acerto e rapidez”, diz.

Tropa 2 levou três meses e meio em edição, quando normalmente um filme desse porte leva cerca de sete, o

dobro. “O Zé fazia no papel onde estariam as câmeras, para saber se estávamos cobrindo tudo. Eu, às vezes, indicava um lugar para cortar, como num close. Temos muitos planos sequência, então ia assistindo ao ‘take’ rolando e já pensando que trecho poderia usar. O Renato Martins, montador associado, ia preparando o primeiro corte de cada cena, baseado na minha conversa com o Zé. Muitas vezes, depois da filmagem passava na ilha e direcionava o que ele tinha feito. Quando fui de fato editar, já tinha boa parte do trabalho feito”, explica.

Sobre como resolveu na montagem as muitas idas e voltas no tempo do filme, Rezende responde: “ele parece que vai e volta, mas não é tão assim”. “Atribuem sempre o mérito de ir e voltar no tempo, sem perda de ritmo ou entendimento, à montagem, mas se não funciona é porque no roteiro não estava bem construído”, diz. O elogio endereçado ao roteirista Bráulio Mantovani exprime uma parceria sólida. “Se pudesse só trabalhava com ele. O montador é o olho mais cru. Mas depois de estar ali na ilha há meses, ele vicia. Ter o Bráulio, que vem lá de trás, nessa hora, ajuda muito”, diz.

**Foto, entrevistas e dados de produção extraídos do press book distribuído pela assessoria de imprensa do filme, Belém Com, http://www.belemcom.com.br/

Mais informações:

http://www.tropa2.com.br/blog/

http://www.youtube.com/filmetropa2

http://www.flickr.com/photos/tropa2

Filme ruim abre Festival do Rio 2010

2010-09-23T13:28:00.003-03:00

A Suprema Felicidade, de Arnaldo Jabor, selecionado para abrir o Festival do Rio 2010, é uma grande decepção frente a alguns dos ótimos trabalhos realizados pelo diretor no passado. Fazendo distorcida referência a filmes de Federico Fellini e outros diretores, a citação acaba por soar como pretensão quando comparada às obras dos grandes mestres do cinema. A péssima direção de atores os leva a uma interpretação artificial, forçada e desprovida de sentimento. O roteiro é ruim, com diálogos não convincentes e situações inverossímeis. Os personagens falam palavrões e usam gírias atuais em pleno pós-guerra, anos 40/50, tempo em que os valores eram outros. A obscenidade e por vezes o nu e o sexo aparecem de modo incisivo, o que se destaca pela inadequação a uma época em que a sociedade brasileira era ultraconservadora. Em meio a tudo isso, também somos incomodados pela péssima voz da atriz principal, que canta desafinadamente. Enfim, uma lástima que tal filme tenha sido selecionado para abrir o Festival do Rio deste ano.

Se não bastasse, acabo de ler nos jornais que 'Lula, o Filho do Brasil', de Fábio Barreto, foi indicado como o representante nacional para concorrer ao Oscar 2011, uma notícia no mínimo desconfortável. O Brasil virou um lugar estranho para a liberdade e a criação.

Coco Chanel & Igor Stravinsky

2010-05-27T15:16:00.002-03:00

Uma das grandes atrações do Festival Varilux do Cinema Francês, que acontece de 02 a 10 de junho em nove capitais brasileiras, é Coco Chanel & Igor Stravinsky, de Jan Kounen (2009). Com excelente cenografia e interpretação por parte dos atores, o filme mostra de modo essencialmente visual a relação entre Chanel e Stravinsky, justamente em seus momentos de maior criatividade, cada qual em sua arte, incluindo a criação do famoso perfume.

Destaco o roteiro adaptado por Chris Greenhalgh sobre novela de sua autoria, roteiro esse que prima por privilegiar essencialmente a atmosfera dos relacionamentos, seja entre os potenciais amantes, seja entre pais e filhos, no triângulo amoroso ou mesmo entre empregados e patrões.

Chama também atenção o impressionante trabalho de interpretação da atriz russa Yelena Morozova, como Katarina, a mulher de Stravinsky.

O Festival Varilux irá exibir 10 filmes inéditos no país e é o primeiro evento a ser realizado após a assinatura de um novo acordo de co-produção com a França.

The Ghost Writer

2010-05-21T20:24:00.001-03:00

The Ghost Writer é o mais recente filme do diretor Roman Polanski. Mas, pena, é fraquinho. A ambientação é perfeita. Porém, a história foi mal desenvolvida. Há muito suspense para uma história que não se sustenta, ou melhor, nem acontece. O filme parece só acontecer na cena final. Enfim, para quem, como eu, curte Ewan MacGregor, cenários frios e cinzentos e um Polanski na direção, mesmo que distante de seus melhores dias, vale a ida ao cinema. Mas sem grandes esperanças de vê-lo como nos bons tempos de Chinatown (1974), onde o suspense era enaltecido por um exemplar roteiro.

Godard, Truffaut e a Nouvelle Vague

2010-05-17T20:57:00.008-03:00

Godard, Truffaut e a Nouvelle Vague (Les deux de la Vague, 2009), de Emmanuel Laurent, apresentado no Festival de Cannes 2009 e que chega agora ao cinemas do Brasil, é um documentário indispensável não só aos estudantes e professores de cinema e audiovisual em geral, mas também aos cinéfilos. Trazendo no elenco Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Léaud (o grande astro do Movimento, eterno protagonista do filme marco Os Incompreendidos, de Truffaut), François Truffaut, Isild Le Besco e outros, Les deux de la Vague (nome bem mais apropriado, como sempre, do que a versão brasileira do título) mostra o nascimento do movimento e também de suas estrelas, a importância da Cahiers du Cinéma e de Andre Bazin, o fim da Nouvelle Vague e a ruptura entre Godard e Truffaut, bem como as posteriores homenagens fílmicas que cada qual prestou ao outro, passando ainda pelas influências de Ingmar Bergman e Hitchcock.

Um filme que vem incrementar o estudo do cinema, como antes o fizeram, cada qual à sua maneira, os documentários A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995) e Il mio viaggio in Italia (1999), ambos de Martin Scorsese, A Decade Under the Influence (Ted Demme e Richard La Gravenese, 2003).

Invictus, de Clnt Eastwood

2010-01-30T13:08:00.096-02:00

Assisti ontem à estréia de Invictus, de Clint Eastwood.

Invictus é um presente, em especial para mim, porque reúne 4 pessoas que muito admiro.

1) Morgan Freeman, que obteve o papel de sua vida nesse filme, como Nelson Mandela, aquele que lhe faltava em sua filmografia já recheada de ótimas interpretações, um ator que considero de primeira grandeza e que já havia atuado em outros 2 filmes sob direção de Clint, Os Imperdoáveis (1992) e Menina de Ouro (2004). Com este ganhou o Oscar de melhor ator coadjuvante.

2) Matt Damon é um ator culto, tendo recebido forte influência da mãe, professora universitária e amante das artes, formou-se em Harvard. Além de ator, é também roteirista premiado com o Oscar de melhor roteiro, juntamente com seu amigo de infância Ben Affleck, pelo roteiro de Gênio Indomável, dirigido por Gus Van Sant em 1997. Damon criou uma forma muito própria de interpretar marcada pela discrição, onde não se coloca em primeiro plano mesmo quando é protagonista, um ator perfeccionista quando da preparação de seus personagens, tanto fisicamente quanto em profundidade. Foi assim quando viveu o agente Jason Bourne na trilogia Bourne, onde criou uma nova forma de interpretação para heróis de filmes de ação; e foi assim também em O Bom Pastor (2006), sob a eficiente direção de Robert De Niro, no qual viveu um agente da CIA, na época de sua criação, em confronto direto com intensos problemas pessoais.

3) Nelson Mandela, personagem real que serviu de inspiração para a realização de Invictus: torna-se dificil, quase impossível, escrever em poucas linhas sobre alguém como ele. Um mito vivo, Mandela é, acima de tudo, um exemplo de que a verdadeira essência humana nada pode suplantar. Um espelho para um mundo que precisa de exemplos, que precisa acreditar que ideais humanitários podem sobreviver a todo tipo de adversidade. Um dos grandes trunfos de Invictus foi a opção por se fazer um recorte de um evento em especial entre os muitos na vasta vida de Mandela, evento que resume em si sua inteligência e capacidade de liderança, e que demonstra como e porque um só homem conseguiu unir a África do Sul. Outro trunfo do filme foi manter como linha condutora da estória a idéia de mostrar-se Mandela como exemplo de vida. Um grande acerto do roteiro.

4) Clint Eastwood. O diretor que mais admiro na atualidade e sobre o qual dediquei uma postagem inteira com comentários sobre alguns de seus filmes (vide arquivo do blog 2009, "E Viva Clint!", de 04 de junho de 2009), faz em Invictus uma bela homenagem não somente a Nelson Mandela, mas à própria linguagem de cinema. Nesse filme o tema principal não é o rugby, assim como Menina de Ouro não era um filme sobre boxe. Clint é um daqueles raros diretores que usa um tema que interessa a multidões (no caso dos filmes citados, o esporte) para atrair os espectadores e lhes entregar outra coisa. Os filmes de Clint, em geral, falam sempre de outras coisas. Seu cinema nos faz pensar e refletir sobre nossas falhas, sobre a vida, sobre nós mesmos. Ele resgata por meio de seus personagens um quê de simplicidade e de essência humana livre, liberta de preconceitos, de dogmas, do sucesso a qualquer preço. É um cinema que nos toca com a mesma suavidade com que o diretor se expressa verbalmente. Seus recados são sempre sutis, sem deixar de serem diretos.

O cinema de Clint é um cinema necessário. E com Invictus ele se mantém fiel a essa premissa.

Dersu Uzala e Eu

2010-01-28T10:20:00.075-02:00

Muito se tem dito nas últimas semanas sobre dois filmes: Lula, o Filho do Brasil, de Fábio Barreto (2009), e Avatar, de James Cameron (2009). Não posso falar sobre eles, até porque não os assisti. E não os assistirei. Em verdade, não fazem parte do cinema que me interessa.

No intuito de desfrutar de um bom filme e ser fiel às minhas convicções cinematográficas, revi esses dias Dersu Uzala, de Akira Kurosawa (1975). Tive o privilégio de vê-lo na sala de cinema da embaixada da então União Soviética, em Brasília, em alguma data entre 1982 e 1984, não me recordo ao certo, cidade onde eu morava na época.

Nos anos 80, era comum que as embaixadas situadas na capital federal promovessem mostras gratuitas de filmes (não sei se isso ainda acontece) e foi assim que fui me apaixonando por cinema. Eu era assídua frequentadora daquelas mostras e raramente perdíamos alguma, eu e meus amigos da universidade. A sala Le Corbusier, na embaixada da França, exibia filmes sempre aos domingos. Na embaixada alemã vi várias mostras de filmes alemães, onde pude conhecer a filmografia de Fassbinder, Herzog e outros. Aos poucos, percebendo o sucesso de público que eram tais mostras, o circuito de filmes de embaixadas foi crescendo com a adesão de mais espaços como a embaixada do Japão, da Coréia, da antiga Tchecoslováquia, da Polônia, entre tantas outras.

Em meio àquela efervescência cinematográfica que vivia Brasília e que emergia justamente com o fim do período da ditadura militar, a embaixada da União Soviética abriu-se pela primeira vez à visitação pública. E o fez através de uma exibição de cinema. Era um período em que ainda vivíamos os resquícios da guerra fria e havia uma tensão no ar quando entramos na embaixada naquela noite da exibição. Éramos observados o tempo todo por homens dispostos em vários locais, nos pisos superiores, principalmente.

Para longe de tudo isso, minha atenção recaía sobre o local em si e sobre a magia que cercava aquele momento. Afinal, eu veria um filme de Kurosawa, proibido por aqui e, portanto, ainda inédito no país. Proibido pelo simples fato de tratar-se de uma co-produção entre Japão e União Soviética e por ser ambientado nos campos da Sibéria, ou seja, em cenário russo. Por isso, o filme, que passava ao largo de qualquer discussão política, fora, mesmo assim, proibido. Mesmo se não o fosse, eu pensava, era Kurosawa! Minha alma sorria!

As instalações da embaixada eram, por si só, uma atração a parte. Com aspecto impecável, finamente decorada e iluminada, tratada como que para uma festa suntuosa, a embaixada abria-se à visitação em grande estilo e com intenção de impressionar. Entre tantas coisas preciosas, como grandes vasos e tapetes, os imensos lustres me chamaram atenção, principalmente o do hall central, e dele nunca me esqueci. Assim como do calendário para o ano seguinte distribuído a todos os presentes, com posteres lindíssimos de diversas regiões da União Soviética. Meu pai me dissera posteriormente que aquilo era propaganda comunista.

Para mim, ao contrário, tratava-se de uma jóia rara, a me lembrar para sempre de Dersu Uzala, tanto do personagem tão cativante em seu convívio com a natureza e com os homens, em contraste com sua inadequação à vida urbana, quanto do filme em si, totalmente livre de qualquer postura ideológica, alheio à polarização do mundo e à estreiteza de mentes incapazes de entender o que seja uma verdadeira expressão artística.

Mais de 20 anos depois, revendo Dersu Uzala, fiquei pensando ser mesmo uma pena que no Brasil nosso cinema, em geral, não consiga construir personagens tão universais quanto Dersu, aquele singelo homem da Sibéria que tem tanto de todos nós, seja em que lugar do mundo estejamos. Essa grande lacuna do cinema brasileiro se daria por uma questão de produção? De distribuição? De vocação? Seja qual for a resposta, é preciso admitir que são muitas as falhas que distanciam nosso cinema de uma linguagem cinematográfica universal.

Ervas Daninhas (Les herbes folles)

2010-01-13T12:29:00.026-02:00

Estréia na próxima sexta-feira, 15, no Rio de Janeiro, o novo filme de Alain Resnais.

Um dos melhores diretores da Nouvelle Vague e meu preferido daquela geração, conseguiu o feito de realizar diversas obras-primas, entre elas Hiroshima, Meu Amor (Hiroshima Mon Amour, 1959) e O Ano Passado em Marienbad (L' année dernière à Marienbad, 1961).

Realizou também curtas onde impôs sua visão culta, verdadeira, original e sempre humanista sobre diversos temas: Van Gogh (1948) e Gauguin (1950); As Estátuas Também Morrem (Les Statues Meurrent Aussi, 1953), sobre arte africana e racismo; Noite e Neblina (Nuit et Brouillard, 1960), sobre o holocausto.

São dele também os longas Amores Parisienses (On conait la chanson, 1997) e Meu Tio da América (Mon Oncle d' Amérique, 1980).

Dentre sua extensa e bem sucedida filmografia, destaca-se ainda o recente sucesso Medos Privados em Lugares Públicos (Coeurs, 2006), filme que ficou em cartaz por mais de um ano na capital paulista. O longa é um excelente exemplo de construção de personagens.

Em Ervas Daninhas, Resnais dá prosseguimento a seu estilo de trabalhar prioritariamente o personagem. Aqui, centra-se a narrativa em torno de Marguerite, uma dentista solteira que perde sua carteira, a qual é encontrada por Georges, casado e pai de dois filhos.

Destaque para o excelente ator Mathieu Amalric, no papel de Georges, que ficou mais conhecido no Brasil pelo sucesso O Escafandro e A Borboleta (Le Scaphandre et le papillon, 2007, Julian Schnabel). Mas Amalric tem uma extensa filmografia, com ótima participação em Munique (Munich, 2005, Steven Spielberg).

Em seus 87 anos, Alain Resnais mantém uma visão sempre atual sobre o mundo em que vive. E demonstra que a verdadeira arte não envelhece.

E viva Clint!

2009-06-06T01:26:00.038-03:00

Vi Gran Torino e A Troca e só posso reafirmar: eu amo Clint Eastwood! E como sou fã do cara, preferi Gran Torino (2008, com roteiro de Nick Schenk) do que A Troca (2008, roteiro de J. Michael Straczynski). Apesar do primeiro ser mais ingênuo em termos de roteiro do que o segundo, que apresenta mais tramas e tem uma estrutura mais complexa, apesar disso, ainda gosto mais de Gran Torino e por uma simples razão: ele tem bem mais a marca estilística de Clint.

Se há um diretor norte-americano contemporâneo que me emociona é Clint Eastwood. Sempre aguardo suas estréias com expectativa e nunca me decepciono. Talvez porque Clint seja um diretor de estilo. E aí sempre me recordo da matriz, conceito defendido pelo estudioso Jean-Claude Bernardet no livro O autor no cinema: a política dos autores (Brasiliense/USP, 1994). Em termos gerais, segundo ele, a matriz pode ser identificada, ou decantada, no que há de comum no conjunto da filmografia de um diretor. Em outros termos, ela se traduz no estilo de direção.

Aplicando a matriz à produção de Clint Eastwood desde Bird (1988), passando por As Pontes de Madison (1995), Sobre Meninos e Lobos (2003), Menina de Ouro (2004), Cartas de Iwo Jima (2006), A Conquista da Honra (2006), Gran Torino e A Troca (ambos de 2008), para não citar outros filmes, observa-se claramente um estilo que segue uma linha humanista, onde o diretor busca enfocar os dramas comuns de pessoas comuns e onde não há espaço para a figura do herói e nem para finais felizes.

O cinema de Clint é um cinema off-Hollywood. Não há glamour, não há redenção para seus personagens, que quase sempre habitam cenários periféricos e, não raro, decadentes.

Seus filmes tratam simplesmente de pessoas no que elas têm de mais comum conosco: fracassos, impossibilidades, doenças, velhice, preconceitos e realidades. Dentro deste quadro, seus personagens podem se transformar, mas nunca de um modo clássico. Afinal, os finais felizes são invenção de Hollywood. E Clint foge a esse modelo. Igualmente, a fé é vista em seu cinema de uma forma bastante descrente. A Igreja está presente, mas essa presença é dúbia. Os padres costumam ser muito próximos dos personagens vividos por Clint. Porém, a relação que estes estabelecem com a Igreja costuma ser sempre um tanto ácida, marcada por uma forte ironia, que parece traduzir o fato de que àqueles personagens só reste acreditar em algo em que a comunidade na qual estão inseridos crê, mas que a eles, enquanto indivíduos, não diz muito.

O ex-galã de filmes italianos virou um diretor extremamente sensível, que apresenta um cinema acima de tudo corajoso na medida em que há muito rejeita soluções fáceis.

O ECLIPSE - uma análise do tempo em roteiros cinematográficos

2009-04-21T14:40:00.005-03:00

O Eclipse (L'eclisse, 1962) arremata a famosa trilogia da incomunicabilidade do diretor italiano Michelangelo Antonioni, precedido por A Aventura (L'avventura, 1960) e A Noite (La notte, 1961).

Estrelado por Monica Vitti e Alain Delon, o filme retrata dois momentos na vida afetiva da protagonista Vittoria, o término de um relacionamento e o início de outro, desta vez com Piero, corretor da Bolsa de Valores.

Seria uma história comum se não fosse o olhar fugidio de Antonioni a enfoques e soluções fáceis. Cada tomada adotada pelo diretor parece querer indicar que algo irá acontecer e isso mudará o rumo da estória. Porém, nada acontece nesse sentido. Estamos no terreno de Antonioni, onde não cabe a premissa: “é preciso levar a estória para frente”. Porque, em O Eclipse, quase tudo o que se aplica à narrativa dramática clássica não lhe cabe. Assim, não se observa a estrutura de roteiro em atos. Mesmo havendo um início e um fim, a estória não se desenvolve em plots, não há curva dramática, nem há algum evento que mude o rumo da estória. O encontro de Vittoria com amigas, onde ela se traveste de africana e dança, assim como o contato sempre frustrado com a mãe, que investe na Bolsa, o próprio fato do novo namorado ser corretor, assim como o desespero de pessoas que perderam milhões na bolsa italiana, nada faz a estória progredir. Em todas essas passagens, vemos o mesmo desencanto, um nada a nos levar a lugar algum que não seja à constatação de um profundo vazio de sentido. O desencontro entre Vittoria e Piero, não somente o desencontro final, mas o desencontro enquanto casal, a vivência de um relacionamento frio e distante da parte dela, que queria amar o amante com mais intensidade do que talvez fosse capaz, ou simplesmente não amá-lo, tudo isso vem também reforçar tal impressão.

Quanto ao personagem, no roteiro dramático clássico, aquele que entre outros aspectos segue a dramática rigorosa, nele o personagem necessita de uma motivação para agir. Em O Eclipse, qual a motivação da protagonista? O que justifica sua ação? Nesse filme, não cabem tais questionamentos. Em Vittoria, o relacionamento com Piero inicia-se movido pelo acaso, sem pretensões. Ela percebe que o vazio se aproxima, enquanto ele demora mais a dar-se conta disso. O relacionamento entre ambos traz em si a marca do descompromisso e o rompimento está intrínseco desde seu início. Não há futuro, não há esperança.

O tempo é o personagem central em O Eclipse. O tempo antonioniano, para quem conhece os filmes anteriores da trilogia, sabe-se que é outro, é um tempo estendido, vagaroso e detalhista em mostrar subjetividades. Esse exibicionismo intimista, feito assim em outro tempo narrativo, chega ao ápice nos sete minutos finais do filme, onde mergulhamos em um espaço narrativo vazio. É ali que o espectador vivencia em maior dimensão os sentimentos de perda e desilusão dos protagonistas. O encontro que entre os protagonistas não houve é ilustrado por imagens de um cotidiano que indica que, apesar disso, a vida prossegue: pessoas descem de ônibus, folhas de árvores balançam ao vento, uma mulher empurra um carrinho de bebê pela calçada... Os sete minutos finais do filme inspiraram e ainda hoje inspiram diretores de cinema pelo mundo todo. Na contemporaneidade, a comparação entre as tomadas finais de O Eclipse e as realizadas no início de Elefante (2003), de Gus Van Sant, é possível. Um olhar mais analítico detectará semelhanças insuspeitadas.

Qual o sentido de tais imagens? Qual o sentido da existência? Qual o sentido dos relacionamentos? Parece que Antonioni tenta responder a todos esses questionamentos com seus deslumbrantes planos sobre o mistério da vaziez humana.

Em tempos de cinema de efeitos, cortes e de ação cada vez mais veloz, filmes como O Eclipse nos lembram que o campo narrativo cinematográfico é múltiplo, sendo também possível assumir-se um tempo outro, com espaços para a reflexão do espectador sobre o que ele vê. Só essa reflexão é capaz de fazê-lo ver a si mesmo. E esse é, para mim, um dos grandes papéis do cinema.

O roteiro de Sunset Boulevard

2009-04-16T17:31:00.021-03:00

Sunset Boulevard, que no Brasil ficou conhecido com o explicativo nome "O Crepúsculo dos Deuses", foi dirigido pelo mestre Billy Wilder em 1950, e roteirizado por Charles Brackett, Billy Wilder e D.M. Marshman, Jr.. O fim do cinema mudo e o surgimento de um novo cinema é o tema central dessa obra-prima, mas não somente isso.

Ao estudar o roteiro, foi impossível não observar suas diferenças em relação ao roteiro moderno. O primeiro detalhe importante a se considerar é a finalidade de sua escritura: foi escrito para que o próprio diretor o dirigisse, o qual, relembro, também foi um dos roteiristas. Assim, notam-se claras indicações de ângulos e movimentos de câmera, e isso acontece logo na primeira rubrica.
Observa-se também como é diferente seu layout quando comparado aos roteiros atuais. Uma das diferenças está na colocação da voz over, a voz do narrador, e do som em coluna, ao lado das rubricas. O roteiro de Sunset Boulevard se parece, assim, com o roteiro para vídeo institucional ou o de publicidade, feitos em duas colunas, sendo uma descritiva da imagem e outra do som incidental (voz over, trilha sonora, sons).

Porém, fugindo ao esquema das colunas, seus diálogos são centralizados na página.
Seus cabeçalhos também não são estruturados como hoje o fazemos: não há indicações de tempo nem local para a câmera (INT/EXT).
O roteiro está estruturado em grandes seqüências que não parecem ser as seqüências como hoje as conhecemos. Hoje, uma seqüência é um conjunto de cenas que têm a ver com um tema específico: a ida ao médico, ao supermercado, à escola. São seqüências em geral pequenas. Os roteiros modernos, em geral, não são estruturados por seqüências e sim por cenas. Em Sunset Boulevard, ao contrário, as seqüências são bastante grandes e indicadas por letras A, B, C, D, E, cada qual numerada por algarismos que parecem indicar o que a câmera filma, cada tomada. Cada seqüência parece mais ater-se a um dos atos do roteiro, e não propriamente a temas, como hoje se faz. O roteiro, aqui, está dividido em 5 atos: A, a apresentação da trama; B, o protagonista passa a viver no quarto sobre a garagem da mansão de Norma Desmond; C, Gillis passa a viver no quarto do ex-marido de Norma, dentro da mansão; D, Gillis reencontra Betty, começa a querer deixar a vida com Norma, Norma pensa que será atriz novamente (o encontro no estúdio com DeMille); E, final, Gillis se apaixona por Betty, Norma mata Gillis e é presa ou internada.

Assim é mais ou menos a estrutura de Sunset Boulevard, um convite ao estudo do roteiro clássico.

Santiago

2009-04-16T17:14:00.008-03:00

Santiago (João Moreira Salles, Brasil, 2007) é um documentário que é uma aula em si mesmo sobre muitas coisas. Está em discussão o papel do documentarista, a metalinguagem, o uso do tempo, o personagem, a extrapolação do tema, a memória, a solidão. Santiago é um filme múltiplo e tudo o que se fale sobre ele será pouco. É preciso vê-lo, revê-lo, dar-se tempo para desfrutá-lo e para a reflexão. Lançado em dvd recentemente juntamente com um livreto que traz o roteiro, além de extras com curtas de João Moreira Salles e video comentado, é material indispensável a todos os amantes de documentário e do cinema.

Mataram a Irmã Dorothy (They killed Sister Dorothy)

2009-04-16T16:16:00.020-03:00

Mataram a Irmã Dorothy (Daniel Junge, USA, 2008), é um documentário que impressiona. E comove por revelar cenas insuspeitadas, como a do julgamento dos acusados. No país chamado Pará, o que vale é ter dinheiro, diz ao longo do filme, com outros termos, um dos acusados (pobre, aliás) de matar irmã Dorothy. Como um bom documentário é capaz de fazer, ele nos faz refletir sobre questões centrais à protagonista, como o nível assustador de destruição da floresta e a luta de irmã Dorothy por sua preservação. Consequentemente, sua batalha em defesa dos povos da região. Um documentário preciso e que deixa em cada um o questionamento: por que tão pouco envolvimento institucional nessas questões? Deduzimos as respostas, mas não seria hora de vê-las discutidas com mais frequência e de forma mais profunda, mesmo no cinema?

O Visitante (The Visitor)

2009-04-16T15:55:00.005-03:00

O Visitante (Thomas McCarthy, USA, 2008) segue a nova onda de abordagem no cinema da fragilidade das relações entre USA e imigração. O filme é simpático e cabe destaque para a bela e expressiva atriz Hiam Abbass (Lemon Tree e Paradise Now). Mas penso que ele poderia render mais, já que a trama é interessante: um desmotivado professor universitário, viúvo, americano, passa a conviver com um jovem sirio e uma senegalesa, ambos ilegais. Com o rapaz, aprende a tocar tambor e a ter prazer pela vida. Mas não rendeu. O filme é morno.

Milk

2009-04-16T15:16:00.007-03:00

Hummm... eu vou contra a corrente dos que disseram que amaram o filme. E justifico o fato de não ter gostado de Milk (Gus Van Sant, 2008). Tenho efetuado estudos sobre os filmes Gerry (2002) , Elephant (2003), Last Days (2005) e Paranoid Park (2007), todos do mesmo diretor, e, por isso, esperava muito mais na tela. Aguardava em Milk que se repetissem quatro técnicas comuns àqueles filmes: elipses, inversões de pontos de vista, planos longos e abertos e o famoso plano pelas costas. Mas eles não vieram. Ao contrário, o que vi na tela me pareceu um tanto comum a outros filmes americanos sobre ativistas pelos direitos civis. Sem novidades. E acima de tudo, pareceu-me um filme americano para americanos, não só pela presença do herói que se sacrifica em prol de um ideal maior, mas também por conter algumas cenas simplesmente incompreensíveis para não-nativos, dadas as intrínsecas referências a acontecimentos muito particulares da história americana.

Quem quer ser um milionário? (Slumdog Millionaire)

2009-02-28T22:49:00.026-03:00

Quem quer ser um milionário?, do diretor inglês Danny Boyle (de Cova Rasa, 1994, e Trainspotting, 1996), arrecadou 8 estatuetas no Oscar 2009. Eu, que gosto de uma boa história e bem contada, apostava em O Leitor, confesso. E achava que o preferido da nova geração pelos efeitos visuais, O Curioso Caso de Benjamin Button, que particularmente a mim pouco me disse, fosse angariar muito mais prêmios do que recebeu.

Foi um alívio ver Milionário desbancar um cinema de trucagens. E mais ainda, ver um filme com outra fala, com outras histórias a contar, dominar a cena.

Gostei de Milionário, filme bem feito, moderno, montagem ágil. E encontrei nele muitas semelhanças com o filme de Fernando Meirelles, Cidade de Deus. Muitos críticos já comentaram isso, mas é inevitável citar minhas impressões.

Começando pelas seqüências (adoro tremas - desculpe não cumprir as novas regras gramaticais) iniciais do filme - quando tem início a perseguição na favela indiana, imediatamente me reportei à perseguição da galinha na primeira cena de Cidade de Deus. As tomadas sobre os telhados, as crianças correndo pelas ruelas, a câmera rápida atrás delas, a cena quase documental, a tonalidade da imagem, isso tudo em Milionário lembrou-me o filme do Meirelles.

Para citar apenas mais uma comparação, igualmente entre as seqüências iniciais do ganhador do Oscar, a cena onde os meninos jogam bola possui tomadas e ângulos de câmera muito semelhantes à cena em que garotos igualmente jogam bola em Cidade de Deus, também no inicio deste, acredito que no primeiro flash-back.

Penso também que Boyle fez a mesma opção que Meirelles ao abordar um tema que envolve juventude e periferia: cercar sua narrativa ágil e moderna de uma montagem e edição atraentes, além de utilizar-se de não-atores na busca de um maior realismo.

As semelhanças, porém, ficam por aí. Tratam-se de modos diversos de contar a saga de um menino pobre de periferia em busca de uma situação melhor.

Dois ótimos filmes a meu ver. Porém, Cidade de Deus não perde sua primazia entre meus preferidos. Eu não verei o Milionário além da sessão de cinema a qual compareci. Já o filme do Meirelles vi no cinema várias vezes, revi em dvd e minha vontade de revisitá-lo ainda não se esgotou.

Talvez seja essa, para mim, a grande diferença entre os dois filmes.

Rio Congelado (Frozen River)

2009-02-13T18:45:00.002-02:00

Rio Congelado (Estados Unidos, 2008) apresenta uma abordagem única sobre a questão da imigração ilegal para os Estados Unidos. O diferencial está no olhar feminino sobre a questão, principalmente sob o ponto de vista da maternidade, em um filme muito bem construído pela diretora e roteirista Courtney Hunt.

A protagonista é Ray, interpretada em intensa densidade dramática pela atriz Melissa Leo (de 21 Gramas), mãe de dois filhos recentemente abandonada pelo marido, ela passa os dias a espera de seu cada vez mais improvável retorno, em uma situação financeira que a coloca a beira de um abismo. Na busca pelo marido, encontra Lila (Misty Upham), uma coiote que tira seu sustento do transporte ilegal de imigrantes pela fronteira entre o Canadá e os Estados Unidos. Pressionada pela falta de dinheiro e pelo sonho da compra de uma casa para si e seus filhos, Ray estabelece uma parceria com Lila, entrando no negócio com seu próprio carro que levará no porta-malas os imigrantes de um país a outro por meio da travessia do rio congelado que separa a frágil fronteira, situada dentro de uma reserva indígena.

No interior do intenso clima de suspense de Rio Congelado não há espaço para heróis nem vencedores, muito menos para julgamentos. O que vemos são mulheres que tentam manter suas famílias em meio a seus conflitos internos em um cenário natural que lhes é também hostil, duro como a vida das personagens. E é esse cenário que parece forjar sua determinação.

O filme é indicado ao Oscar 2009 em duas categorias: melhor atriz para Melissa Leo e melhor roteiro original para Courtney Hunt.

Adaptação literária e o espectador de cinema em O Menino do Pijama Listrado

2009-02-12T15:03:00.003-02:00

É um grande erro desprezar-se o senso crítico do espectador de cinema. Porque, mesmo que não seja cinéfilo ou desconheça a linguagem cinematográfica, ele sabe muito bem quando um filme vai bem ou não.

O Menino do Pijama Listrado (The Boy in the Striped Pajamas), 2008, uma adaptação para o cinema do livro homônimo de John Boyne, que também assina o roteiro juntamente com o diretor Mark Herman, pode ser citado como exemplo. No início da exibição, ouvi alguém sussurrar com incredulidade atrás de minha poltrona algo que também havia me impactado, como uma ducha de água fria, logo no primeiro diálogo: “O filme é falado em inglês?”. A frustração da platéia era compreensível. O idioma alemão traria mais realismo ao filme. Juntamente com os cenários, figurinos e outros elementos, seria uma importante ponte para a verossimilhança, princípio basilar da linguagem do cinema e fundamental para a identificação das platéias.

Porém, essa não foi a única decepção. Uma breve análise revela personagens vazios e inverossímeis. A mãe, apesar de alemã e esposa de um alto integrante dos comandos nazistas, não somente chora pelos judeus como também se coloca contra o marido, entrando em depressão ao descobrir que ele é chefe de um campo de extermínio. Ele, o pai, é um personagem igualmente mal construído, fraco em demasia diante das relações familiares, mas não só ali. A relação com a mulher é extremamente frágil, sem a profundidade que o roteiro poderia ter explorado. Bruno, o filho, personagem central da trama, é o único entre os aqui citados, que apresenta uma construção aprofundada e progressiva. Ele tem um claro objetivo: ter um amigo naquele lugar para onde a família se muda. Porém, sua ingenuidade frente à questão dos judeus também soa duvidosa ao público, dado o contexto em que estava inserido. O menino acredita que o local que vê de sua janela na nova morada é uma fazenda que abriga fazendeiros de pijama listrado. Ali, encontra, sem que a família saiba, o pequeno Shmuel, um menino judeu com quem estabelece amizade entre as cercas eletrificadas do campo.

É interessante voltar a um ponto aqui exposto: o filme analisado é uma adaptação literária. No livro, tais licenças são aceitas, quando bem desenvolvidas, por fazerem parte da linguagem literária. Em cinema, além da verossimilhança pura, o princípio primeiro da identificação com o espectador, existe ainda a questão da verossimilhança intrínseca à própria linguagem de cinema. Por isso, entre outros, nos parece tão natural Indiana Jones correr de uma pedra imensa muito próxima a ele, sair intacto e ainda com seu eterno chapéu enterrado à cabeça. No caso de O Menino do Pijama Listrado, esperava-se mais intensidade de uma família alemã pertencente ao partido nazista e cujo patriarca é chefe de um campo de extermínio. Ou seja, literatura e cinema são duas artes distintas. O que bem funciona em uma delas, pode não funcionar na outra.

Porque o espectador aguarda o mergulho na tela, quer sentir-se inserido na história como se ela fora real, deseja estar em outros lugares, desligar-se de si ou reconectar-se por meio do lúdico e da impressão de realidade que só o cinema é capaz de fazê-lo.

O Leitor (The reader)

2009-02-04T22:20:00.001-02:00

Forte candidato a ganhar várias estatuetas no Oscar deste ano e já vencedor de diversos prêmios, O Leitor (The reader) é um filme que tem história, mas não só isso: sabe muito bem contar uma boa história. E é isso, entre outros, que faz dele um filme raro na cinematografia ocidental contemporânea.

Outro atrativo é a estupenda interpretação de Kate Winslet. Brilho Eterno de Uma Mente sem Lembranças e Pecados Íntimos são apenas dois dos títulos que compõem a intensa filmografia da atriz. O diretor Stephen Daldry, de As Horas, soube muito bem explorar sua intensidade dramática, fazendo com que ela chegasse a uma de suas melhores interpretações dos últimos anos.

Uma mulher solitária se envolve com um rapaz ainda adolescente, que aparenta ter a metade de sua idade. Esse é o ponto de partida dessa história múltipla, com várias idas e vindas no tempo, que em nada atrapalham ou dificultam a compreensão de seu todo. Ao contrário, as surpresas do caminho e o segredo da protagonista, pelo qual sacrifica sua própria liberdade, são como a virada de página de um bom livro.

E é ele, justamente o livro, o centro da narrativa. Um atrativo a mais para todos os amantes da boa literatura e do cinema.

O Leitor está indicado a diversas categorias ao Oscar 2009, entre eles, melhor filme, melhor diretor, melhor roteiro adaptado e melhor atriz.

DÚVIDA (Doubt)

2009-02-04T21:03:00.001-02:00

Dúvida, dirigido por John Patrick Shanley, aborda a pedofilia de uma forma bastante distinta da adotada por Pedro Almodóvar no ótimo Má Educação (2004). Aqui, o diretor espanhol centrava a narrativa na exposição explícita do ato e em suas reais conseqüências a uma vítima.

Shanley, ao contrário, tem a intenção de deixar a dúvida no ar, tal qual acontece na maior parte das acusações por tais crimes que envolvam padres, igrejas e seus muros, mas não só ali. A abordagem é sutil, o crime, se houve, não é visto. Não há provas, não há testemunhos. A vítima não se considera como tal e o padre parece inocente, mas também pode ser culpado. A incerteza está presente em cada diálogo, em cada tomada.

A cena se passa em uma escola católica do Bronx, Nova York, em 1964. A dura diretora, interpretada pela sempre magnífica Meryl Strep, recebe uma denúncia, que também não parece bem sê-la, de uma jovem freira (Amy Adams). Esta não sabe bem o que viu, mas em uma conversa com sua superiora expõe-lhe algumas atitudes que considera suspeitas por parte do popular padre da escola, vivido pelo excelente Philip Seymour Hoffman (Capote; O Talentoso Ripley).

O filme soa um tanto fraco na abordagem do tema pedofilia. A excessiva opção pela incerteza esvazia a história de uma possível reflexão mais aprofundada, sem chegar a emocionar.

Os três atores centrais estão indicados ao Oscar 2009: melhor atriz para Meryl Strep; melhor ator coadjuvante para Philip Seymour Hoffman e melhor atriz coadjuvante para Viola Davis.

Vicky Cristina Barcelona

2008-11-17T22:06:00.003-02:00

O mais recente filme de Woody Allen estreou no Rio semana passada, trazendo um frescor que lembra o estilo dos primeiros filmes de Pedro Amodóvar, tanto no uso da cor quanto na mise en scène.

Vicky Cristina Barcelona, ambientado na bela cidade catalã, aborda as relações amorosas entre um poeta local, interpretado pelo talentoso ator Javier Bardem (de Mar Adentro), e duas amigas norte-americanas em férias na Espanha, vividas pela atual musa do diretor, Scarlett Johansson (Cristina), e Rebecca Hall (Vicky). Servindo de contraponto para a marcante presença cênica de Bardem, surge Penélope Cruz, a ex e eterna mulher do protagonista, em papel em nada diferente dos que interpretou em filmes almodovarianos.

Nessa simpática e leve comédia, Woody Allen mais uma vez filma na Europa, tendência que havia anunciado em Dirigindo no Escuro e que assumiu desde Match Point.

Se, por um lado, Vicky Cristina Barcelona parece um tanto distante dos melhores momentos da obra do diretor elaborada nos anos 70/80, da densidade dramática de personagens em busca de si mesmos em uma Manhattan que os desorienta tal qual a seu criador, o próprio Allen, por outro o filme traz em si uma leveza e um descompromisso agradável tanto aos olhos quanto ao espírito. Um cinema, sob esses aspectos, em acordo com suas origens primeiras, ou seja, gestado para simplesmente divertir. Em tratando-se de Woody Allen, diversão que une sutileza e inteligência.

O Atalante - Minha ultima sessão de cinema no Paissandu

2008-09-01T19:58:00.001-03:00

Minha última sessão de cinema no Paissandu foi às 19h15 de sexta, 29 de agosto de 2008. O filme escolhido foi o francês O Atalante (L' Atalante), de Jean Vigo, de 1934.

As belas imagens da história de amor passada a bordo do barco Atalante, o último filme de Vigo, não deixam transparecer seus conturbados bastidores: o diretor filmava já bastante doente, morreria poucos meses depois das filmagens, e o filme passaria por sérias dificuldades de finalização.

O que o breve documentário exibido antes do filme contextualizava, coincidia com o sentimento de tristeza na platéia pelo fechamento, dali a dois dias, do Cine Paissandu, no Flamengo, um dos poucos cinemas de bairro da cidade do Rio de Janeiro, reduto de cinéfilos e amantes da sétima arte. Os motivos para o fechamento foram amplamente divulgados pela mídia local, relativos a problemas financeiros para a manutenção da sala. O que ocasionou protestos desesperados na tentativa de reverter o fechamento ou ao menos mobilizar as pessoas em torno de seu não fechamento.

Um dos primeiros a tomar iniciativa foi Fabio Coutinho, integrante de meu grupo de discussão, Roteiros On Line, que disponibilizou um abaixo-assinado, ainda disponível no link http://www.petitiononline.com/15121960/petition.html . Até o momento (são 20h30 de segunda, 01/09/2008), constam 5.719 assinaturas.

O Atalante narra a lua-de-mel de um casal a bordo do navio homônimo, pelos canais de Paris. O dono do barco é Jean, o marido, e a bordo estão mais duas figuras. Uma delas, o tio, impõe à imagem um tom humano e sincero e, ao mesmo tempo, grotesco, seja por sua imagem tatuada, seja pelas atitudes, ou pela quantidade de gatos que convivem no espaço exíguo da embarcação, em cima da mesa, dentro dos armários e em cima das camas. Em contraste, Juliette, a recém esposa, surge sobre o barco em seu traje de noiva, uma das mais belas cenas do filme e da história do cinema, ou mergulha seu rosto numa tina onde diz ver o rosto de seu amado. O marido, ao contrário, não consegue o mesmo feito, o que frustra a jovem. Ela sonha conhecer Paris e em uma das atracagens do Atalante na cidade, conhece um vendedor ambulante que lhe atiça ainda mais a curiosidade. Juliette acaba fugindo, ao mesmo tempo em que Jean decide esquecê-la. Vendo seu sofrimento, o tio decide procurar a moça.

É um filme de constrates entre momentos de intenso lirismo e imagens quase documentais.

E é plenamente visível na imagem as influências de dois movimentos surgidos na França e quase contemporâneos ao filme: o impressionismo francês e o surrealismo.

O Atalante será lançado no Brasil em breve em dvd, juntamente com demais filmes de Jean Vigo.

Um filme que guardarei na lembrança não só pela beleza, mas também por ter sido minha última sessão de cinema no Paissandu.

Um Crime Americano (An American Crime)

2008-09-01T18:29:00.002-03:00

Um Crime Americano (2007) choca por vários fatores que o diretor e também roteirista do filme, Tommy O'Haver, soube muito bem orquestrar para contar a história real de Sylvia Likens, vítima aos 16 anos do mais brutal crime contra uma só pessoa ocorrido em Indianápolis, Indiana, USA, em 1965. Sylvia e sua irmã Jennie, mais jovem e deficiente, são deixadas temporariamente pelos pais, que trabalham em um circo, na casa de uma desconhecida, Gertrude Baniszewski, mãe solteira de sete filhos, em troca de 20 dólares semanais. Porém, Gertrude logo fará de Sylvia seu objeto para seu ódio e insanidade, começando por castigos físicos até o enclausuramento da moça no porão da casa, onde lhe perpetuará torturas diárias durante aproximadamente dois meses.

O filme torna-se chocante também pelo inevitável paralelo com o recente e bárbaro crime de Goiânia, onde uma criança de 12 anos era mantida em condições similares.

Alguns elementos nos levam a refletir sobre a violência na esfera social privada: a opção de Sylvia por entregar-se como mártir para proteger a irmã, o que parece ter aguçado ainda mais os instintos cruéis de Gertrude; a crescente participação dos filhos e seus amigos na tortura, o que, certamente, é o mais chocante na história; a omissão de todos, incluindo vizinhos, em socorrer Sylvia.

Atenção especial (diga-se especial para quem não sabe o desenlace da história real) para o final comovente, quando Sylvia faz questão de voltar à casa onde fora enclausurada.

E destaca-se ainda a excelente atuação das atrizes principais, Ellen Page (a mesma de Juno) como Sylvia, e Catherine Keener (de Capote) como Gertrude.

Um Crime Americano não aponta causas nem soluções para tamanha violência. No que o diretor acertou, na minha opinião. Ao contrário, ao mostrar a situação através de um recorte baseado no que de fato aconteceu, ele nos fornece a opção da reflexão, da análise.

Talvez a grande questão que fique ao final do filme, seja: "Um Crime Americano?"

LEMON TREE, limoeiros como metáfora de um conflito

2008-08-05T10:39:00.001-03:00

Lemon Tree traz a nós, do ocidente, mais uma visão sensível sobre os conflitos entre israelenses e palestinos. Assim como em A Banda, filme já comentado e indicado neste blog, a curiosidade recai sobre a vida das pessoas da região. Porém, enquanto em A Banda a abordagem do conflito é deixada em suspenso para vivenciarmos a subjetividade de seus personagens, em Lemon Tree ele logo se estabelece e ganha em densidade dramática. O foco metafórico da disputa entre israelenses e palestinos passa a ser uma plantação de limoeiros, que separa, de um lado, a recém instalada casa do Ministro da Defesa de Israel, e, de outro, a residência de uma viúva palestina, proprietária dos limoeiros, o lado supostamente mais fraco desse embate. Porém, com o toque sensível do diretor Eran Riklis, o mesmo de A Noiva Síria, acompanhamos a luta contida e solitária dessa mulher em defesa da plantação, de onde tira seu sustento. Em meio a isso, as verdades de cada personagem vão sendo expostas com sutil maestria, levando-nos, ao final do filme, a refletir: quem ganhou e quem perdeu nesse conflito? É quando se torna mais viva a reflexão sobre o drama real que assola a região há anos, questionamentos que, finda a exibição, seguem conosco para além da sala de cinema.

Ficha técnica:
Título original: Lemon Tree / Etz Limon
Israel/ Alemanha/ França
2007, color, 106 minutos
Gênero: Drama
Áudio: Árabe, Hebraico, Inglês
Direção: Eran Riklis
Roteiro: Suha Arraf e Eran Riklis

Elenco:
Hiam Abbass - Salma Zidane
Ali Suliman - Ziad Daud
Rona Lipaz-Michael - Mira Navon
Doron Tavory – Ministro de Defesa de Israel / Navon
Tarik Kopty - Abu Hussam

Destaques:
- Premiado como Melhor Filme pelo júri popular do Panorama no Festival de Berlin 2008

A Banda (THE BAND’S VISIT)

2008-07-07T22:58:00.001-03:00

O filme A Banda, do diretor e roteirista israelense Eran Korilin, que vem acumulando prêmios em diversos festivais de cinema, é uma grata surpresa e não só pela inusitada temática.

Embalado por uma bela trilha sonora ao estilo jazzístico e pela adoção de tempos estendidos, ao estilo do mestre Antonioni, e também com claras referências ao cinema de Wim Wenders, A Banda ambienta-se em uma cidade perdida no deserto israelense. O tempo parece ali parar. E é nesse estado de suspensão da ação que somos mergulhados no universo de solidão não só do lugar em si, mas muito mais dos personagens, tanto dos que chegam, os músicos, quanto dos que ali permanecem para sempre.

Ao longo do filme, quase nos esquecemos de que tais personagens pertencem a dois grupos tradicionalmente conflituosos entre si: egípcios e israelenses. E esse é o grande atrativo de A Banda, a exposição do mundo interior desses personagens, mostrados apenas como pessoas comuns, exposição esta conduzida com extrema sensibilidade, como todo o bom cinema é capaz de realizar. Um filme que consegue tocar espectadores de culturas tão diversas e distantes, como eu e meu amigo Paulo, que assistíamos ao filme mergulhados naquela atmosfera contemplativa em uma sala de cinema do Rio de Janeiro, Brasil, América do Sul.

Estão ali personagens universais, facilmente identificáveis e verossímeis, outro aspecto basilar que o bom cinema procura retratar. Diante da tela, encontram-se pessoas iguais a nós, independente de qualquer nacionalidade. Simplesmente pessoas. É disso que trata A Banda, filme que recomendo especialmente àqueles que apreciam um cinema que se permite dar-se à contemplação. (Em cartaz no Rio e em São Paulo).

Para ouvir a bela música-tema do filme, basta acessar seu site oficial: http://www.thebandsvisit.com/intro.html

Sinopse

Os músicos de uma pequena banda militar egípcia chegam a Israel para se apresentar num grande evento, mas em razão da burocracia - ou da total falta de sorte mesmo – acabam esquecidos no aeroporto. Ao tentar seguir viagem por conta própria, sendo que apenas o jovem Haled fala inglês, e nenhum deles entende uma única palavra em hebraico, acabam numa pequena cidade em algum lugar no coração do deserto israelense. Uma banda perdida numa cidade perdida. Logo são acolhidos pelos amigáveis moradores que, apesar das diferenças culturais, abrem seus corações aos forasteiros. Durante 24 horas, a música e o amor criam entre eles uma conexão inesquecível.

O Diretor

O diretor e roteirista ERAN KOLIRIN nasceu em 1973 em Israel. Seu primeiro trabalho para cinema foi o roteiro de “Zur – Hadassim”, pelo qual recebeu o prêmio Lipper de melhor roteiro no Jerusalem International Film Festival de 1999. Em 2004, ERAN KORILIN escreveu e dirigiiu “The Long Journey”, um filme feito para a TV. A BANDA é seu primeiro longa-metragem e, atualmente, ele trabalha no roteiro de seu próximo fillme, “Pathways in the Desert”.

TÍTULO ORIGINAL: “BIKUR HATIZMORET”

ANO DE PRODUÇÃO: 2007

Dica de livro sobre Documentário

2008-06-08T19:11:00.000-03:00

Documentário - Técnicas para uma Produção de Alto Impacto

O livro “Documentário: Técnicas para uma Produção de Alto Impacto” ressurge no mercado editorial brasileiro em sua segunda edição, atualizada e ampliada. A autora, a cineasta americana Sheila Curran Bernard, vem analisar filmes veiculados recentemente pela indústria cinematográfica, além de revelar como construir uma estrutura narrativa de sucesso.

Para ela, a crescente popularidade dos documentários, que surgem a partir de vídeos, materiais factuais, histórias de arquivos e dramas da vida real, resulta na construção de roteiros mais impactantes.

E, por isto, o livro aponta os elementos fundamentais na aplicação de uma linguagem eficaz na criação de diversificados estilos narrativos.

Sheila explica que o documentário é um discurso de auto-expressão, como romances, canções ou pinturas, podendo ser criado em diferentes formatos. Quando bem formulado, é um instrumento que, de certa forma, compensa o descompasso entre culturas ou expõe realidades desconhecidas. E, apesar de muitas vezes promover entretenimento, o conteúdo deve possuir um caráter inspirador, motivador e educacional. Diferente do que é produzido pela indústria de Hollywood.

Geralmente, este estilo de filme é derivado da reflexão sobre assuntos polêmicos a respeito da condição humana, que deve conquistar o público e, ao mesmo tempo, ser desafiador, incômodo ou até humorístico.

Sobre a autora: Sheila Curran Bernard é cineasta e consultora de projetos que incluem a transmissão e exibição de documentários em cinemas, museus e salas de aula. Ganhou prêmios consagrados como Emmy e Peabody. Recentemente, a autora lecionou como professora convidada na Princeton University.

Serviço:

Documentário – Técnicas para uma produção de alto impacto

Editora Campus-Elsevier

Autora: Sheila Curran Bernard

A OUTRA - The Other Boleyn Girl

2008-06-08T17:58:00.000-03:00

Na Inglaterra do século XVI duas irmãs, Ana (Natalie Portman) e Maria Bolena (Scarlett Johansson) disputam ferozmente o posto de esposa do rei Henrique VIII (Eric Bana).

Baseado no best-seller A Irmã de Ana Bolena, de Philippa Gregory, A OUTRA é uma história envolvente e provocante de intriga, romance e traição usando como plano de fundo um momento importante da história.

2008.

Inglaterra/EUA
115 Minutos
O filme tem estréia prevista para 13 de junho.

Valsa para Bruno Stein

2008-06-08T16:51:00.000-03:00

Adaptação do livro de Charles Kiefer, Valsa para Bruno Stein narra a história de uma família em conflito que vive no interior do Rio Grande do Sul, onde Bruno (Walmor Chagas) mantém uma olaria. Um súbito encontro desperta nele a vontade de viver. Bruno se apaixona pela nora Valéria (Ingra Liberato), mas ambos lutam para sufocar o sentimento.

Por sua interpretação no filme Ingra Liberato recebeu o prêmio de melhor atriz no 35º Festival de Gramado.

Ficha Técnica:

Direção de Paulo Nascimento

Elenco: Walmor Chagas, Ingra Liberato, Aracy Esteves e Fernanda Moro

Distribuição: Panda Filmes

2007
Brasil
88 min

Estréia em 13 de junho

Site do filme: http://www.accorde.com.br/valsa/

1958, o Ano em que o Mundo Descobriu o Brasil

2008-06-08T16:41:00.000-03:00

"1958, o Ano em que o Mundo Descobriu o Brasil" é um documentário dirigido por José Asbeg, sobre a primeira vitória da Seleção Brasileira na Copa do Mundo de 1958.

Em junho, os brasileiros comemoram o cinqüentenário da conquista do seu primeiro título mundial no futebol. Para registrar a data, o cineasta José Carlos Asbeg está lançando o documentário 1958 - O ano em que o mundo descobriu o Brasil. Repleto de imagens históricas, o filme apresenta depoimentos de decanos que participaram da final Brasil 5 X 2 Suécia - o jogo que levou a taça Jules Rimet aos braços do Bellini. Didi, Nilton Santos, Zagalo, Djalma Santos, Zito e os suecos Borjesson, Parling, Hamrin, Simonsson, Liedholm relembram os lances da Copa onde Garrincha driblou graciosamente os maiores craques do mundo.

Entre os 50 entrevistados destacam-se o francês Just Fontaine, o artilheiro da Copa de 58; os jogadores brasileiros Dino Sani, Mazzola e Moacir; Paulo Amaral, preparador físico da seleção de 58, falecido recentemente; o jogador austríaco Helmut Senekowitsch; Victor Tsarev da então seleção da URSS que cumpriu a árdua tarefa de “marcar” o genial futebolista de 17 anos, que fazia sua estréia em copas do mundo – o Pelé. O filme apresenta, ainda, depoimentos de jogadores e membros das comissões técnicas da França, Áustria, Inglaterra, País de Gales e Suécia.

1958 - O ano em que o mundo descobriu o Brasil registra reflexões de um time de peso de comentaristas esportivos e jornalistas. Luis Mendes, Orlando Duarte, Villas-Boas Corrêa, João Máximo, o inglês Brian Glanville, entre outros, falam sobre o futebol plástico, cavalheiresco, com improvisos geniais e a construção de um dos aspectos mais marcantes da nossa identidade nacional - o arrebatamento da torcida verde amarela. Em meados dos anos 50, o país tinha, no âmbito cultural, a Bossa Nova e o Cinema Novo. Via o nascimento de Brasília pelas mãos de Juscelino. Na esfera dos esportes, Eder Jofre levava a vitória do peso mosca. Ademar Ferreira da Silva, a do salto triplo. Maria Esther brilhava em Wimbledon. No futebol, ansiava esquecer a fatídica final no Maracanã, onde em 50 perdeu o mundial para o Uruguai. A primeira estrela no escudo da seleção canarinho nos transformou no país do futebol.

Ficha Técnica:
Brasil, cor e p/b, 90 min., livre.
Direção: José Carlos Asbeg
Diretor Assistente: Jorge Mansur
Produção: Palmares Produções e Jornalismo

No dia 13 de junho a Pandora Filmes estará lançando nos cinemas o documentário simultaneamente no Rio de Janeiro e em São Paulo.

Personal Che

2008-06-08T16:25:00.000-03:00

PERSONAL CHE, de Douglas Duarte e Adriana Mariño é uma co-produção entre Colômbia, Estados Unidos e Brasil, de 2007.

O documentário mostra como diversas pessoas ao redor do mundo reinterpretam a lenda de Che Guevara. Do rebelde que vive em Hong Kong e luta contra o crescimento do país, ao neo-nazista da Alemanha que prega a revolução, passando pelo cubano que odeia Fidel Castro. Depoimentos que provam que o símbolo histórico do revolucionário argentino sobrevive até hoje. Mas, como todo símbolo, cada um o percebe de uma forma, muitas vezes de maneiras bastante contraditórias. Muitos filmes tentaram revelar a verdade por trás do mito de Che Guevara. Este documentário, pelo contrário, tenta explorar o mito por trás da verdade. Cor. 87min.

O filme tem estréia prevista para 20 de junho no Rio de Janeiro e São Paulo.

Cinesul 2008

2008-06-08T15:33:00.000-03:00

O Cinesul 2008 – Festival Ibero-Americano de Cinema e Vídeo, começa no Rio de Janeiro no dia 17 de junho para o público e vai até o dia 29 em cinco locais: Centro Cultural Banco do Brasil, Centro Cultural Correios, Casa França-Brasil, Cinemateca do MAM e Ponto Cine, em Guadalupe. Serão 80 filmes em competição (entre longas, médias e curtas-metragens) e cerca de 160 exibidos em mostras paralelas. Todos com entrada franca.

DOS 700 INSCRITOS, 80 FILMES CONCORREM EM TRÊS CATEGORIAS E CERCA DE 160 SERÃO EXIBIDOS EM MOSTRAS PARALELAS

O Cinesul - Festival Ibero-Americano de Cinema e Vídeo chega à 15ª edição em 2008 com número recorde de inscritos: 700 contra os 503 do ano passado, e produções de países como Argentina, Espanha, Brasil, Portugal, México, Venezuela, Chile, Cuba, entre outros de língua latina. O festival, que acontece no Rio de Janeiro entre 17 e 29 de junho, traz mostras competitivas: longas-metragens de ficção e de documentário e Videosul, com trabalhos de média e curta-metragem. Entre as mostras paralelas, destacam-se “Panorama Brasil” (com longas de documentário e de ficção nacionais); “Foco Espanha” (incluindo trabalhos do País Basco e das Ilhas Canárias); “Bossas Musicais”, “Bolívia, um país em transe”, “Palcos e Telas” (com filmes sobre cineastas e teatrólogos); além de específicas das escolas de cinema de Madri, de Cuba (Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños) e Buenos Aires (ENERC - Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Dentre os filmes em competição destaca-se Partes Usadas, uma co-produção México/França/Espanha, de 2007, com direção e roteiro de Aarón Fernández Lesur, em seu primeiro longa. No filme, Iván tem 14 anos e vive com seu tio Jaime, um comerciante de autopeças usadas. Ambos estão guardando dinheiro para imigrar ilegalmente. Ao constatar que precisarão de mais dinheiro, Jaime introduz o sobrinho em roubos de peças de carro. Iván aprende o ofício rapidamente e chama seu melhor amigo para ajudá-lo. Eles se divertem e atendem com esmero os pedidos do tio. Até que Iván percebe que as suas intenções são bem diferentes das que eles pensaram juntos.

O atrativo do filme é abordar de forma diferenciada o sonho de morar nos Estados Unidos acalentado por muitos latinos: a narrativa mostra o preparo para a partida, seus impresvistos e a luta para atingir o sonho americano, mesmo que esse embate não seja lá tão ético. O final é surpreendente.

Ficha Técnica:

DIREÇÃO E ROTEIRO: Aarón Fernández Lesur FOTOGRAFIA: Javier Morón MONTAGEM: Ana Laura Calderón MÚSICA: Nação Zumbi ELENCO: Eduardo Granados, Alan Chávez, Carlos Ceja, Damayanti Quintanar e Pilar Padilla DURAÇÃO: 90 min

Para informações e programação completa acesse o site do festival: http://www.cinesul.com.br/site_2008/

Notícias

2008-06-08T15:21:00.000-03:00

A Zazen Produções distribuiu à imprensa esta semana, a seguinte nota sobre o filme Tropa de Elite:

"No momento, não estamos desenvolvendo qualquer projeto que seja baseado em continuação de “Tropa de Elite”, seja ele para TV ou para cinema. Quaisquer declarações a esse respeito que não sejam dadas por representantes oficiais da Zazen Produções não têm valor factual. Em particular, não estamos desenvolvendo roteiro algum e não contratamos qualquer pessoa para este fim".

Em 05 de junho de 2008.

Corpo

2008-06-08T13:41:00.000-03:00

Corpo, que tem roteiro e direção de Rossana Foglia e Rubens Rewald, conta a história de um legista, Artur, confrontado com a descoberta de um cadáver que se manteve preservado por mais de 30 anos. obcecado por corpos humanos, mortos ou vivos. Mesmo trabalhando em um necrotério público, num contexto de corrupção e decadência, vai além dos diagnósticos burocráticos e faz uma profunda leitura dos corpos. A rotina de seu trabalho é quebrada pela chegada de ossos encontrados em uma vala comum. Junto à ossada, está o corpo de uma mulher jovem, que provoca um embate no departamento: a sua supervisora, Dra. Lara, defende que o corpo é recente, sem nenhuma relação com os ossos, tidos como de vítimas do regime militar. Já Artur, pela análise do corpo, insiste que ele tem mais de 30 anos, pertence ao grupo dos ossos e que, por alguma estranha razão, se manteve preservado. O veredito de Lara, no entanto, prevalece. E ela impõe um prazo: se o corpo não for identificado em 24 horas, será enterrado como indigente. Artur decide, então, investigar por conta própria a identidade daquele corpo.

Festivais:

O longa foi eleito, pelo público, como um dos melhores da última edição da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, e ganhou o prêmio de melhor filme estrangeiro no The Method Independent Film Festival, de Los Angeles, este ano.

Montreal World Film Festival 2007 - Focus on World Cinema - Première Mundial
Festival do Rio 2007 - Mostra Novos Rumos - Première Brasileira
Mostra Internacional de Cinema de São Paulo 2007 - Finalista pelo Voto do Público
Palm Springs International Film Festival 2008 - Seleção Oficial
Mostra de Cinema de Tiradentes 2008
The Method Independent Film Festival, Los Angeles 2008 - Melhor Filme Estrangeiro

Ficha Técnica

Corpo (Body)
Duração: 85 minutos
35mm, Cor, Dolby Digital
2007
Roteiro e Direção: Rossana Foglia e Rubens Rewald
Produção: Confeitaria de Cinema e Glaz Entretenimento
Produção Executiva: Paulo Boccato e Mayra Lucas
Montagem: Ide Lacreta
Fotografia: Márcio Langeani
Direção de Arte: Roberto Eiti
Som: Eduardo Santos Mendes
Música: Eduardo Queiroz

Elenco:
Leonardo Medeiros, Rejane Arruda, Chris Couto, Louise Cardoso, Regiane Alves, Antônio Petrin, Sônia Guedes, Zecarlos Machado, Rogério Brito, Gustavo Machado, Doró Cross

Estréia prevista para sexta, 20 de junho, no Rio de Janeiro.

Festivais - Cannes 2008

2008-05-10T21:58:00.001-03:00

CANNES APRESENTA ESTE ANO TRÊS LONGAS BRASILEIROS EM COMPETIÇÃO

A edição 2008 do Festival de Cannes contará com a participação de três longas brasileiros, Blindness, de Fernando Meirelles, Linha de Passe, de Walter Salles e Daniela Thomas, e A Festa da Menina Morta, de Matheus Nachtergaele,
que concorrerão à Palma de Ouro, além de quatro curtas, A Espera, de Fernanda Teixeira, Areia, de Caetano Gotardo, Muro, de Tião, e O Som e O Resto, de André Lavaquial.

Na cerimônia de abertura será exibido Blindness, o mais novo filme de Fernando Meirelles, adaptação para o cinema do livro "Ensaios da Cegueira", de José Saramago, que também disputará ao prêmio.

Linha de Passe, de Walter Salles e Daniela Thomas, que estiveram juntos em um dos filmes brasileiros que mais gosto, Terra Estrangeira, ele como diretor e ela como roteirista, é outro filme brasileiro em competição em Cannes este ano.

Sinopse:
Cidade Líder, zona leste de São Paulo, Brasil. Quatro irmãos, quatro personagens que se movimentam pela cidade de São Paulo. O futebol como possibilidade de ascensão social, as transformações religiosas pelas quais passa o Brasil, o exército de reserva de trabalhadores que alimenta a cidade, a questão da identidade e da ausência do pai estão no coração da história de "Linha de Passe". Estádios de segunda divisão e batucada nas arquibancadas, engarrafamento e corredores de carros cortados por motos em alta velocidade, o contraste entre espigões e bairros de classe baixa. Esses elementos são um retrato de outro personagem central desta história: a cidade de São Paulo. Em constante mutação, é a cidade que represa os desejos e sentimentos dos personagens de "Linha de Passe". Entre suas avenidas e becos, desenha-se uma questão premente: o que é hoje considerado ético, ou não, para ultrapassar as barreiras sociais no Brasil?

Ficha Técnica:

Dirigido por: Walter Salles e Daniela Thomas
Roteiro: George Moura e Daniela Thomas

Colaboração de: Bráulio Mantovani
Direção de Fotografia: Mauro Pinheiro Jr, abc
Som Direto: Leandro Lima
Direção de Arte: Valdy Lopes Jn
Figurino: Cássio Brasil
Diretor de Produção: Marcelo Torres
Preparação de Elenco: Fátima Toledo
Edição de Som: Frank Gaeta
Trilha Sonora: Gustavo Santaolalla
Montagem: Gustavo Giani e Lívia Serpa
Produção Executiva: François Ivernel e Jim Glander
Produzido por: Mauricio Andrade Ramos e Rebecca Yeldham

Elenco:
DÊNIS João Baldasseirini
DARIO Vinícius de Oliveira
DINHO José Geraldo Rodrigues
REGINALDO Kaique de Jesus Santos
CLEUZA Sandra Corveloni

A Festa da Menina Morta é o longa de estréia de um de nossos mais versáteis atores de cinema, Matheus Nachtergaele. Participou de filmes como "O Que é Isso Companheiro?", de Bruno Barreto; "Anahy de Las Missiones", de Sérgio Silva; "Central do Brasil", de Walter Salles; "Kenoma", de Eliane Caffé; "Castelo Ra-Tim-Bum", de Cao Hambúrguer; "O Primeiro Dia", de Walter Salles; "Gêmeas", de Andrucha Waddington; "O Auto da Compadecida", de Guel Arraes; "Bufo & Spalanzani", de Flávio Tambellini; "Cidade de Deus", de Fernando Meirelles; "Narradores de Javé", de Eliane Caffé; "Amarelo Manga" e "Baixio das Bestas", de Cláudio Assis; "Árido Movie", de Lírio Ferreira; "Tapete Vermelho", de Luiz Alberto Pereira; e "A Concepção", de José Eduardo Belmonte. Ganhou prêmios importantes pelos seus trabalhos no cinema como de melhor ator no Grande Prêmio BR do Cinema Brasileiro em 1998 por "O Primeiro Dia" e em 2000 por "O Auto da Compadecida".

Sinopse:
"A FESTA DA MENINA MORTA" conta a história de Santinho, alçado à condição de líder espiritual numa comunidade ribeirinha do alto Amazonas, a partir de um "milagre" realizado por ele após o suicídio de sua própria mãe. O filme procura ser o retrato íntimo dos envolvidos nesta seita e da capacidade infinita do homem em "criar" fé e buscar um sentido diante de seu horror à morte.

A Espera, dirigido e escrito por Fernanda Teixeira, é um dos quatro curtas brasileiros a concorrer em Cannes este ano.

Sinopse:

Homem de 80 anos passa seus dias em sua casa isolada e tem apenas como companhia seu antigo cão de caça. Seu cotidiano limita-se as pequenas ações, como uma partida solitária de xadrez, palavras-cruzadas e leituras noturnas. O tempo move-se lentamente no ritmo cadenciado das pás de um ventilador. A passagem do tempo é a medida da finitude da vida. Cada dia se torna igual ao outro em uma repetição para sentir segurança. Porém, não há um porto para quem se sente estrangeiro no próprio corpo.

Fernanda Teixeira: nasceu no Rio de Janeiro em 1985. Formada em Cinema pela Universidade Estácio de Sá. Trabalhou em diversos curtas-metragens como diretora de arte e montadora. "Transtorno" foi seu primeiro curta, que participou em mais de 20 festivais pelo Brasil, produzido ainda na faculdade. Seu segundo curta chama-se: "A Espera". Cursa pós-graduação de Direção de Arte para Cinema e TV na UNESA. Atualmente trabalha no projeto de seu primeiro longa, um documentário sobre o pintor Oswaldo Teixeira, seu avô.

Curiosidades:
- O curta foi rodado em 4 dias de filmagem, numa única locação na Ilha de Guaratiba, no Rio de Janeiro.
- Filmado em High Definition com a câmera Panasonic HVX-200 e, posteriormente, transferido para 35mm na TeleImage.
- O filme foi produzido sem recursos estatais, utilizando-se apenas de recursos próprios e contando com a colaboração da equipe e elenco.

- O cão Brian, da raça Weimaraner, que participou do filme, não é treinado e pertencia ao dono da locação.

Estréias de cinema

2008-05-10T20:42:00.001-03:00

Bella – estréia dia 16 de maio

Estréia no próximo dia 16 de maio no Rio de Janeiro o longa Bella, dirigido pelo mexicano Alejandro Gomez Monteverde, estreante em longa-metragem. O filme foi agraciado no Festival de Toronto de 2006 com o prêmio de público.

Sinopse: Bella é uma história de amor que vai além do romance. José (Verástegui), ex-jogador de futebol de sucesso, hoje chef do restaurante mexicano de seu irmão, e Nina (Blanchard), garçonete do local, passam um dia juntos em Nova Iorque após alguns mal-entendidos no restaurante. Esse encontro irá transformar suas vidas para sempre e ambos descobrem que, quando se perde tudo, aprecia-se o que realmente tem valor. Prêmio de público no Festival de Toronto 2006. Bella fala de vida, família, relações afetivas e de nossa capacidade de amar o inesperado.

Ficha técnica:
Título original: Bella

México / EUA, 2006, 91 minutos

Gênero: Drama

Direção: Alejandro Gomez Monteverde
Roteiro: Alejandro Gomez Monteverde, Patrick Million e Leo Severino Direção de fotografia: Andrew Cadelago
Montagem: Joseph Gutowski e Fernando Villena
Música original: Stephan Altman
Distribuição nacional: California Filmes

Elenco:
Eduardo Verástegui - Jose
Tammy Blanchard - Nina
Manny Perez - Manny
Ali Landry - Celia
Angélica Aragón - Mother
Jaime Tirelli - Father
Ramon Rodriguez - Eduardo

Premiações:
- Melhor filme pelo júri popular no Festival de Toronto 2006
- Prêmio Crystal Heart no Festival de Heartland 2007
- Prêmio de Atuação Inspiradora no MovieGuide 2008

O MELHOR AMIGO DA NOIVA – estréia 16 de maio

O filme tem direção de Paul Weiland, e reúne no elenco o ator Patrick Dempsey (Dr. Derek Shepherd no seriado Grey´s Anatomy) e a atriz Michelle Monaghan. Atenção para o grande cineasta Sydney Pollack, que também está no elenco.

Sinopse:
Para Tom (Patrick Dempsey), a vida é boa: ele é sexy, bem sucedido, tem muita sorte com as mulheres e sabe que sempre pode contar com Hannah (Michelle Monaghan), sua encantadora melhor amiga, e única presença constante em sua vida. É a combinação perfeita, até que Hannah parte numa viagem de seis semanas, a negócios, para a Escócia… e Tom fica perplexo ao perceber como sua vida ficou vazia sem ela. Ele decide pedir Hannah em casamento assim que ela chegar – mas se frustra ao descobrir que ela ficou noiva de um belo e rico escocês, e planeja viver seu amor no exterior. Quando Hannah convida Tom para ser "sua dama de honra", ele aceita o papel, relutante, mas apenas para tentar persuadir Hannah e impedir o casamento, antes que seja tarde demais.

Ficha Técnica:
Direção: Paul Weiland
Roteiro: Adam Sztykiel e Deborah Kaplan & Harry Elfont
História de: Adam Sztykiel
Produção: Neal H. Moritz
Produtores Executivos: Callum Greene, Tania Landau, Amanda Cohen, Marty Adelstein, Aaron Kaplan, Sean Perrone, Ryan Kavanaugh,

Elenco:
Patrick Dempsey
Michelle Monaghan
Kevin McKidd
Kathleen Quinlan
Sydney Pollack

O DRAGÃO DA MALDADE CONTRA O SANTO GUERREIRO – estréia dia 30 de maio

Mais um clássico de Glauber Rocha chega ao público em versão restaurada, no mais novo lançamento da RIOFILME. E chega em momento oportuno, quando um dado (de)formador de opinião, sem conhecimento de causa, resolve simplesmente lançar na lama o nome de nosso mais reconhecido cineasta, o qual deixou uma obra vasta e múltipla de significados.

No elenco estão, entre outros, Maurício do Valle, Odete Lara, Othon Bastos, Hugo Carvana, Conceição Senna, Emmanoel Cavalcanti.

Sinopse:
Numa cidadezinha chamada Jardim das Piranhas aparece um cangaceiro que se apresenta como a reencarnação de Lampião. Seu nome é Coirana. Anos depois de ter matado Corisco, Antônio das Mortes (personagem de Deus e o Diabo na Terra do Sol) vai à cidade para ver o cangaceiro. É o encontro dos mitos, o início do duelo entre o dragão da maldade contra o santo guerreiro. Outros personagens vão povoar o mundo de Antônio das Mortes. Entre eles, um professor desiludido e sem esperanças; um coronel com delírios de grandeza, um delegado com ambições políticas; e uma linda mulher, Laura, vivendo uma trágica solidão.

Prêmios obtidos pelo filme:
Melhor Direção - XXI Festival de Cannes, França, 1969
Melhor Direção - Confederação Internacional de Cinema de Arte e Ensaio, França, 1969
Melhor Direção - Prêmio "Coruja de Ouro", Instituto Nacional de Cinema, RJ, 1969
Primeiro Prêmio, Festival de Louvaing, Bélgica, 1969 Prêmio do Público (Menção Especial), Semana Internacional de Cinema de Autor -Banalmadena, Espanha, 1969.
Troféu Coruja de Ouro - Prêmio Adicional de Qualidade, INC/1969, Brasil

Melhor Fotografia (Affonso Beato), Prêmio "Governador do Estado de São Paulo", SP, 1969
Prêmio "Fipresci", 1969
Prêmio Luis Buñuel